miércoles, 15 de febrero de 2017

Música del clasicismo

"El siglo de las luces"

A mediados del siglo XVIII en Europa se empieza a generar un nuevo movimiento en la arquitectura, la literatura y las artes conocido como clasicismo o neoclasicismo. El clasicismo musical o período clásico comienza aproximadamente en 1750 y termina alrededor de 1820.



Música clásica se dice en general para todos los períodos de la música culta europea, pero las primeras composiciones llamadas clásicas fueron las de este período. En la música no se trató del redescubrimiento y copia de los clásicos del arte  greco  romano, los pocos restos de música griega y de tratados teóricos que quedaron no se consideran suficientes para conocer como era aquella música realmente. La música del clasicismo evoluciona hacia un extremo equilibrio entre armonía y melodía. Compositores muy famosos son Haydn, Mozart y el primer Beethoven (Beethoven supone un giro de tuerca en la evolución de la música tonal, yendo cada vez más lejos del llamado centro tonal (Enunciado por J.S.Bach). Es en este punto cuando empieza la época romántica en la historia de la música).





Los instrumentos en el Neoclasicismo

Algunos instrumentos surgen en este periodo, como el piano-forte; el Arpeggione y el clarinete. Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos cambian y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y de composición de la época. Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: viola da gamba, clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo XX), bajón, laúd, etc. El fortepiano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos solistas. Esto se profundiza aún más en el Romanticismo, con la aparición del pianoforte romántico.

La orquesta en el Neoclasicismo

Este es un periodo clave también para la orquesta porque aquí se configura claramente la Orquesta Sinfónica como tal, por influencias mayormente de Mozart y Haydn. De la orquesta de cámara heredada del barroco, en donde se mantiene la sección de cuerdas, aunque esta es ampliada en número. Se abandona la práctica del bajo continuo, y con ello el clavecín en la orquesta. Así también queda claramente establecida la sección instrumentos de madera (madera y metal es por la clase de boquilla de los instrumentos originales, no por el material en sí del instrumento) a 2, esto es 2 flautas traveseras, 2 oboes, 2 clarinetes y 2 fagotes. Además de los de metal: 2 trompetas, entre 2 y 4 trompas y ocasionalmente 1 trombón.


1750 a 1775
Para la década de 1750 los géneros instrumentales como sinfonía y concierto habían ganado la suficiente fuerza como para ser interpretados independientemente de la música vocal y tenían gran aceptación en las cortes. El compositor del momento era Joseph Haydn. Además de escribir sinfonías de estructura claramente clásicas, escribió sonatas para pianoforte, el nuevo instrumento de teclado que estaba surgiendo y permitía mayores capacidades expresivas. Fue considerado también el "padre del cuarteto de cuerdas", probablemente porque sus obras para esta formación son de gran refinamiento melódico y armónico. Esto contribuyó para que el cuarteto quede establecido hasta nuestros días.

1775 a 1790
Un joven compositor comienza a revolucionar la ópera y el concierto; Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque se basó en los aportes de Haydn, Mozart prefería melodías más cantables, al estilo italiano. Además en sus obras se aprecian más cromatismos y otras modificaciones armónicas. En cuanto a la instrumentación, utiliza más variedad de instrumentos, en ricas combinaciones tímbricas. En la década de 1780 surge Muzio Clementi y adquiere prestigio con sus sonatas y estudios para piano. Este compositor incentivó la extensión de la tesitura del instrumento, entre otras modificaciones que brindaron nuevas posibilidades.

Beethoven y el paso al Romanticismo
Durante el Clasicismo la vida musical sufrió numerosos cambios; se empezó a editar y publicar partituras, los músicos hacían giras y la notación musical se volvió cada vez más específica. Una nueva generación de compositores formada por Johann Nepomuk Hummel, Luigi Cherubini y Ludwig van Beethoven comenzaron a cobrar importancia. Complicaron cada vez más la sección de desarrollo y el piano ocupó un lugar central en sus obras. También se complicaron los acompañamientos para crear texturas más ricas y la armonía se volvió más flexible y elaborada. Beethoven fue el que produjo los cambios más profundos en el estilo y por ello es considerado el responsable de la transición hacia el periodo romántico. Sus principales aportes fueron las innovaciones armónicas, como el uso de cuartas y quintas, y la búsqueda de una mayor expresividad. También fue un pionero en cuanto a la orquestación de sus sinfonías, ya que utilizó muchos instrumentos que no formaban parte de la orquesta y esto impulsó la ampliación de la misma.


VIDA Y OBRA DE MOZART

Su nombre completo es  Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, Nació en Salzburgo,Austria el 27 de enero de 1756. Es conocido como uno de los músicos mas destacados de la Historia, inalcanzable en talento hasta el día de hoy. Virtuoso y modelo musical del clasicismo. Demostró desde temprana edad un dominio fabuloso por instrumentos de tecado y por el violín.
Con tan solo 4 años ya componía obras musicales de mediana dificultad en el clavecín y era muy apreciado por la aristocracia, a los 8 años compuso su primera sinfonía, a los 17 años fué músico de la corte de Salzburgo pero su deseo de buscar mejor posición lo llevó a viena donde se instaló totalmente y se dio a conocer. Su vida en viena lo llevó a la fama sin embargo tubo grandes dificultades financieras a lo largo de su vida, siempre quizo sobrevivir por si solo contando con su grande talento pero nunca lo alcanzó. Músicos como Hyden y Beethoven aclamaron y dieron su punto de vista a las obras de Mozart, que podrían llamarse como "música casi perfecta".
Se casó con Constanze Weber, hermana menor de Aloysia Weber de quien se había enamorado unos años antes sin poder concluir en una relación gracias al rechazo de ésta ultima.

En los últimos instantes de su vida Motzar compuso grandes obras musicales entre las que se cuantan las de 600, 14 hijos, una vida llena de achaques financieros, rechazos de la corte y otros descontentos. 
Para el año de 1791 Mozart ya presentaba sintomas de enfermedad y decaimiento, a pesar de esto concluyó la flauta mágica, su requiem en re menor y otras obras de gran valor musical en la actualidad, sin embargo fué necesario que su hermana sofya y su esposa cuidaran de el por su debilidad a causa de su enfermedad.
Mozart falleció en Viena a la edad de 35 años, 10 meses y 8 días a las doce y cincuenta y cinco minutos de la madrugada el 5 de diciembre de 1791 en Viena Austria y su funeral tuvo lugar en la Catedral de San Esteban (donde anteriormente se había casado con Constanze), el día 6 de diciembre. Fue amortajado según el ritual masónico (manto negro con capucha). Su funeral fue de tercera categoría. 

Sus obras mas reconocidas:

La flauta mágica
Las bodas de Fígaro
Don Giovanni
Requiem en Rem
Pequeña serenata nocturna
41 sinfonías
Sonatas para piano Etc.

VÍDEOS DE OBRAS

Pequeña Serenata Nocturna... 

http://www.youtube.com/watch?v=r3O60cyDZ-c&feature=related 
(la flauta mágica de Mozart - Adaptación para niños)



Marcha Turca en versión Guitarra (A dos guitarras... que locos si son buenos)







VIDA Y OBRA DE LUDWIG VAN BEETHOVEN


Iniciemos estudiando la vida de éste gran compositor escuchando una de sus mas bellas obras... Claro de Luna para piano, muestra del paso del clasicismo al romanticismo quien inició el compositor.














(Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco el 16 de diciembre, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.
La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779, cuando entró en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien se convirtió en su maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de Bach, músico al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción.

Obras
La tradición divide la carrera de Beethoven en tres grandes períodos creativos o estilos, y si bien el uso los ha convertido en tópicos, no por ello resultan menos útiles a la hora de encuadrar su legado.
La primera época abarca las composiciones escritas hasta 1800, caracterizadas por seguir de cerca el modelo establecido por Mozart y Haydn y el clasicismo en general, sin excesivas innovaciones o rasgos personales. A este período pertenecen obras como el célebre Septimino o sus dos primeros conciertos para piano.



Sonata Patética


Segunda sinfonía


Una segunda manera o estilo abarca desde 1801 hasta 1814, período este que puede considerarse de madurez, con obras plenamente originales en las que Ludwig van Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la expresión, el periodo medio, también llamado heroico, comienza después de la crisis personal provocada por la creciente sordera del músico. Es destacada por las obras de gran escala que denotan el heroísmo y la lucha. Las composiciones de este periodo incluyen seis sinfonías (las n.º 3, 4, 5, 6, 7 y 8), los últimos tres conciertos para piano, el Triple concierto y el Concierto para violín, cinco cuartetos de cuerda (n.º 7 al 11), varias sonatas para piano (incluyendo las sonatas Claro de luna, Waldstein y Appassionata), la Sonata Kreutzer para violín, y su única ópera, Fidelio.

Sinfonía No 5



La Marcha Turca (Marcia alla turca) es la composición Op. 113 n.º 4 del célebre compositor alemán Ludwig van Beethoven, escrita en 1811, es homenaje a la obra "Las ruinas de Atenas".


Beethoven: ¿Quien diablos uso mi música? JuMm!! tenia que ser el chavo del 8 Jjjojojjo XD



La tercera etapa comprende hasta la muerte del músico y está dominada por sus obras más innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la novedad de su lenguaje armónico y su forma poco convencional; la Sinfonía n.º 9, la Missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y sonatas para piano representan la culminación de este período y del estilo de Ludwig van Beethoven.



Oda a la alegría Sinfonía No 9 Versión completa (original)





Himno a la alegría Versión actual



El final de su vida
Los últimos años de la vida de Beethoven estuvieron marcados también por la soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual prosiguió su labor compositiva, e incluso fue la época en que creó sus obras más impresionantes y avanzadas.
Beethoven pasó los últimos años de su vida casi totalmente aislado por la sordera, relacionándose solamente con algunos de sus amigos a través de los «cuadernos de conversación», que le sirvieron como medio de comunicación. Su último gran éxito fue la Novena Sinfonía, terminada en 1823. En los tres años finales, se dedicó a componer cuartetos de cuerda y la Missa Solemnis. El 13 de abril de ese año conoció a Franz Liszt, que entonces tenía once años, durante un concierto del compositor húngaro y lo felicitó por su interpretación. Años más tarde, Liszt transcribió todas las sinfonías de Beethoven para piano y fue un destacado intérprete de su obra. El estreno de la Novena Sinfonía tuvo lugar el 7 de mayo de 1824 y fue un rotundo éxito a pesar de las dificultades técnicas que entrañaba la obra. Beethoven muere en Viena el 26 de Marzo de 1827 a los 56 años de edad, Algunas versiones indican que sufrió durante toda su vida de problemas epáticos y que quizás fuera la razón de su muerte.

Fuente: Éste es un escrito en resumen y con fuente de Wikipedia. 

GRADO 9°

TALLER
ACTIVIDAD: CREAR UN MAPA MENTAL DANDO RESPUESTA A LAS SIGUIENTES PREGUNTAS.

1. ¿Que significa la palabra Barroco? ¿De donde proviene el termino?
2. ¿Cuál es la época y lugar que comprende el movimiento Barroco?
3. ¿Cuales son las características de la música barroca?
4. ¿Cuales son los autores representativos de ésta época y sus obras más significativas?
5. ¿Cuales son los instrumentos musicales representativos de ésta época y movimiento?




EL BARROCO CARACTERÍSTICAS Y REPRESENTANTES

La música del periodo barroco es el estilo musical , relacionado con la época cultural europea, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII hasta la mitad del siglo XVIII (hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).




Origen del Término




El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta», siendo el significado original del término un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado». 







Características Generales



Se trata de una de las épocas musicales más largas y fecundas de la música occidental. Sus características más definitorias son el uso del bajo continuo (que facilitó el desarrollo de la armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal) y el gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante». Este gusto por el contraste y algunas otras de sus características son compartidas por el movimiento homónimo en las artes plásticas: profusión en el uso de ornamentación, teatralidad, dramatismo, utilización como medio para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, etc. 


Estética y nuevas formas


En esta época se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concerto grosso, la ópera, el oratorio y el ballet francés, y se vive además un auge de la música instrumental pura, es decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o funcionales como en el caso de la música de danza.


A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música.

El auge de la música instrumental


Este periodo vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término, y conoció la transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos dinámicamente más flexibles. Nacida durante el siglo XVI, la familia del violín (violines, violas, violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el punto de que entonces quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los Stradivari y los Amati. Paralelamente a ella sobrevivió a pleno rendimiento la fabricación de violas da gamba, extinguidas sin embargo hacia el final del periodo. Los instrumentos de madera fueron radicalmente transformados por la familia Hotteterreen la corte francesa de Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la flauta travesera barroca.



La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica, tiene un auge sin precedentes en los siglos XVII-XVIII; por primera vez en la historia, la música vocal e instrumental están en plena igualdad. La música instrumental alcanzó su madurez: hay un gran florecimiento en géneros, técnicas, intérpretes y compositores que se acercaban a un profundo conocimiento de los instrumentos.



El cultivo de la música puramente instrumental llevó a un importante desarrollo de la técnica, al servicio de una fuerte expresión emocional. Se destacó el caso del violinista Arcangelo Corelli quien, según el testimonio de François Raguenet, cuando tocaba en público "perdía el dominio de sí mismo", tenía los ojos enrojecidos y, pese a todo esto, lograba expresarse a la perfección.



El Barroco musical llegó a su máxima madurez y esplendor en la primera mitad del siglo XVIII con uno de los compositores más importantes de la música universal, Johann Sebastian Bach (1685-1750), que agotó todas las posibilidades de la música barroca. Su obra es la cumbre y ocaso de la música barroca, y marca el fin del periodo en Alemania y en Europa. 




MÚSICOS DEL BARROCO



Johann Sebastian Bach





Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán 

de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia de grandes músicos luego como Mozart.

Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San MateoEl arte de la fugaLa ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites.
Bach fue uno de esos raros compositores cuyo genio no se puede sumarizar, aún aproximádamente, de ninguna forma conocida. El fue el maestro supremo del contrapunto, fuga, composición musical, melodia, composición de cámara, repertorios para instrumento solo... la lista no tiene fin. Sus pasiones son sin duda alguna las más grandes composiciones jamás creadas para un grupo coral y orquesta. Sus trabajos en solo (para violín, y violoncelo) son de tal belleza y perfección de forma que sus secretos nunca han sido divulgados totalmente, ni siquiera por virtuosos en esos instrumentos. Sus composiciones para el teclado - las Variacines de GoldbergEl Well-Tempered Clavier, entre otras - revelan una insuperada habilidad para combinar estructuras musicales intrincadas con fuerza espiritual pura; de hecho, la mayoria de los músicos de primera apuntan hacia la maestría de estas piezas como su meta última.

Bach fue el más grande maestro del Barroco, y probablemente de toda la música clásica. Cualquier estudiante de música debe comenzar - y terminar - una investigación de las glorias de la música clásica con él.
Bach se mantuvo en su puesto en Leipzig hasta su muerte en 1750. El se mantuvo activo hasta el final, aún después que problemas de cataratas lo dejaran virtualmente ciego. Su última composición musical, un preludio coral titulado "Ante Tu Trono, Mi Señor, Yo Me Mantengo", fue dictada a su yerno solo unos pocos días antes de su muerte.

ALGUNAS OBRAS DE BACH

Tocata y Fuga en Re menor para órgano tubular, instrumento de la época.



Preludio para violonchelo
(Ésta obra me hace llorar)





Georg Friedrich Haendel

Nació en Halle, actual Alemania en 1685. Compositor alemán naturalizado inglés. Estricto contemporáneo de Johann Sebastian Bach –aunque difícilmente podrían hallarse dos compositores más opuestos en cuanto a estilo y aspiraciones–, Haendel representa no sólo una de las cimas de la época barroca, sino también de la música de todos los tiempos. Músico prolífico como pocos, su producción abarca todos los géneros de su época, con especial predilección por la ópera y el oratorio, a los que, con su aportación, contribuyó a llevar a una etapa de gran esplendor.
Oponiéndose a los deseos de su padre, quien pretendía que siguiera los estudios de derecho, la carrera de Haendel como músico comenzó en su Halle natal, donde tuvo como profesor al entonces célebre Friedrich Wilhelm Zachau, organista de la Liebfrauenkirche; fue tal su aprovechamiento que en 1702 fue nombrado organista de la catedral de su localidad y, un año más tarde, violinista de la Ópera de la corte de Hamburgo, donde entabló contacto con Reinhard Keiser, un compositor que le introdujo en los secretos de la composición para el teatro.
En Hamburgo, precisamente, estrenó en 1705 su primera ópera, Almira, que fue bien acogida por el público. Un año más tarde, el músico emprendió un viaje a Italia que había de tener especial importancia, ya que le dio la oportunidad de familiarizarse con el estilo italiano e introducir algunas de sus características en su propio estilo, forjado en la tradición contrapuntística alemana. Las óperas Rodrigo y Agrippina y el oratorio La Resurrezione datan de esa época.
Años mas tarde Haendel volcó la mayor parte de su esfuerzo creativo en la composición de oratorios: si Deidamia, su última ópera, data de 1741, de ese mismo año es El Mesías, la obra que más fama le ha reportado. Con temas extraídos de la Biblia y textos en inglés, los oratorios –entre los que cabe citar Israel en EgiptoSansónBelshazzarJudas MaccabeusSolomon y Jephta– constituyen la parte más original de toda la producción del compositor y la única que, a despecho de modas y épocas, se ha mantenido en el repertorio sin altibajos significativos, especialmente en el Reino Unido, donde el modelo establecido por Haendel ha inspirado la concepción de sus respectivos oratorios a autores como Edward Elgar o William Walton.
No obstante, no hay que olvidar otras facetas de su producción, en especial la música instrumental, dominada por sus series de Concerti grossi y conciertos para órgano. Los últimos años de vida del compositor estuvieron marcados por la ceguera originada a consecuencia de una fallida operación de cataratas. A su muerte fue inhumado en la abadía de Westminster junto a otras grandes personalidades británicas.
En 1751, Händel perdió la vista mientras componía el oratorio Jephta. A comienzos de abril de 1759 se sintió mal mientras dirigía su oratorio El Mesías. Terminado el concierto, se desmayó y fue llevado presurosamente a su casa, donde se le acostó; nunca más volvió a levantarse. Händel murió siendo venerado por todos; fue sepultado con los honores debidos en la Abadía de Westminster, panteón de los hombres más célebres de Inglaterra. Su último deseo fue morir el Viernes Santo y a punto estuvo de cumplirse: falleció el 14 de abril de 1759, Sábado Santo.

Obra musical
La vasta y abundante obra de Händel, muy prolífico como era la norma de la época, se compone de más 600 obras y se divide en 7 grandes grupos, agrupados en dos grandes bloques:música vocal (dramática, oratorios, profana y religiosa) y música instrumental (orquestal, de cámara y para clave) donde abarca todos y cada uno de los géneros de su época.
En cuanto a música vocal, los géneros y obras que el compositor compuso, que suman 290 piezas en total, son 43 óperas en lengua italiana, alemana e inglesa, 2 músicas incidentales para espectáculos en inglés, 26 oratorios en italiano, alemán e inglés, 4 odas y serenatas en italiano e inglés, 100 cantatas en italiano y español, 21 dúos, 2 tríos, 26 arias sueltas, 16 obras para conciertos espirituales, 41 anthems, 5 Tedeum, 1 Jubilate y 3 himnos ingleses.
En música instrumental, 78 en el ámbito orquestal: 34 conciertos para solistas, 23 concerti grossi, 4 oberturas, 7 suites, 2 sinfonías, 6 movimientos de danzas y conciertos sueltos, y 2 marchas. En el ámbito de cámara: 22 sonatas para un instrumento solista y bajo continuo, 25 sonatas en trío y 19 movimientos sueltos de danzas, marchas y sonatas. Y 186 en el ámbito del clavicémbalo: 30 suites y oberturas, y 156 movimientos de suite sueltas.

ALGUNAS OBRAS DE HAENDEL


Imaginate que estás comiendo tranquilamente y un coro enorme se pone a cantar... ¿Cómo te quedarías?
Ésto pasó en un restaurante de Europa en celebración de Navidad... 
ésta obra Aleluya de Georg Friedrisch Haendel.


Antonio Vivaldi 

Antonio Vivaldi es uno de los más grandes compositores musicales de todos los tiempos, destacándose por introducir nuevos elementos en los conciertos y operas. Su obra más famosa es “Il Cimento dell'Armonia e del'Inventione”, donde se encuentran las cuatro estaciones.
El extraordinario músico barroco Antonio Lucio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en la ciudad de Venecia y es reconocido como uno de los grandes genios de la música y un referente de su época.
Se desempeñó como sacerdote y violinista en la catedral de San Marcos hasta el año 1713 cuando comenzó a ser reconocido por toda su capacidad musical, lo que lo llevó a brindar conciertos por toda Italia y Europa.
Antonio Vivaldi escribió una gran cantidad de obras, donde se conocen más de 500 conciertos, 70 sonatas, 45 óperas y una extensa cantidad de composiciones de música religiosa.


Johann Sebastian Bach fue un gran admirador de sus trabajos, donde incluso hay varias obras de Vivaldi que son únicamente conocidas por la interpretación posterior de Bach.



Autor de obras impactantes como:


- Il Concerto Grosso

- Las cuatro Estaciones (Four seasons) 

- Concierto para mandolina

- Nulla in Mundo Pax Sincera

- Gloria en Re mayor

A lo largo de su extensa carrera fue mucho más reconocido como violinista que como compositor, donde incluso se lo criticó constantemente diciendo que era reiterativo al momento de crear.
Al igual que sucedió con otros grandes genios, Antonio Vivaldi fue un adelantado para su época y fue recién en el Siglo XX que se reconocieron sus magistrales composiciones en su justa medida.
Es reconocido como el primer compositor que investigó, experimentó y desarrolló la técnica del ritornello, escribiendo más de 230 conciertos para violín.

Sus composiciones marcaron una profunda innovación, incorporando elementos como: 


- La aparición de los instrumentos solistas dentro del concierto

- El formato de los tres tiempos 

- Nuevas formas de interpretar un instrumento como el violín


Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi

Uno de sus conciertos más reconocidos es el “opus 8, Il Cimento dell'Armonia e del'Inventione” interpretado por primera vez en Amsterdam en el año 1725.
Dentro de esta magnífica obra se destacan los cuatro primeros conciertos (otoño, invierno, primavera y verano) los que representan las cuatro estaciones.

Cada una de las 4 estaciones están compuestas en una tonalidad diferente: 


- La primavera (spring): en Mi mayor

- El verano (summer): en Sol menor

- El otoño (autumn): en Fa mayor

- El invierno (winter): en Fa menor.


En esta gran obra instrumental, Antonio Vivaldi transita por las cuatro estaciones en 3 tiempos: una primera parte que es rápida (allegro), una segunda intervención que es lenta (adagio) y la tercera nuevamente rápida (allegro).

Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi (invierno)... que destreza por Dios!!!!


Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi (verano) que belleza de interpretación


Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi (otoño) orquestal




Fuentes
Este material fue tomado de distintas fuentes de ayuda y es un resumen de éstos y diversos libros o escritos. 
http://es.wikipedia.org
http://www.biografiasyvidas.com
http://www.youtube.com/watch?v=V60USaluxGA
http://www.pianored.com
http://www.youtube.com/watch?v=YyknBTm_YyM
http://www.felixmendelssohn.com/
http://erwillillo.wordpress.com
http://italianalmanac.org
http://www.superstock.com
http://es.wikipedia.org/wiki/Cuarteto_para_piano_n.%C2%BA1_(Brahms)
ttp://hemerotecamundial.blogspot.com
http://modusmixolidius.blogspot.com
http://www.orff.de/es/vida/detalles-biograficos.html